Nadia Costantini est née à Mirano (Venise) en 1944, elle se forme à l’Istituto Statale d’Arte puis à l’Académie vénitienne des Beaux-Arts, où elle suit les cours de Bruno Saetti et Carmelo Zotti. Dans les années soixante, sa peinture a été affectée par la formation abstraite-informelle et ses propositions, nées d’une tension émotionnelle, ont été traduites sur la toile avec des couleurs intenses, des signes vigoureux et une matière compacte. Il en a résulté des compositions visant diversement à empiéter au-delà de la contrainte de l’espace-cadre, avec des oscillations stylistiques qui, a posteriori, doivent être évaluées comme des moments d’analyse introspective, comme un chemin nécessaire pour identifier sa propre figure à partir de laquelle procéder avec détermination. Une grande partie de ces œuvres ont été perdues ou détruites par l’artiste elle-même; malheureusement, disons aujourd’hui, étant donné que ces « survivants » sont qualitativement intéressants. Au cours de la décennie suivante, le détachement de l’abstrait-informel s’est fait progressivement, à intervalles réguliers, en commençant à rationaliser les compositions avec l’insertion d’images photographiques, créant des collages de visages et de figures évocateurs d’événements réels. En 1978, elle a été l’une des fondatrices du groupe Verifica 8+1, qui a conservé pendant trente années consécutives une galerie active à Venise-Mestre – avec l’intention de fonctionner comme un centre de documentation et d’information, favorisant également des fins éducatives – qui est devenu un point de référence pour les artistes italiens et étrangers engagés dans la recherche de nouvelles langues. Entre-temps, le tournant vers la rationalité totale avait mûri : en effet, définitivement abandonnée au coup de pinceau gestuel, l’image prend désormais forme à partir d’éléments géométriques, préalablement étudiés et conçus pour exprimer des dynamismes optiques. Commence alors la série de "modulations de surfac"e, dans laquelle sur des fonds compacts et sombres la couleur, sobrement organisée avec rigueur de signe, devient une lumière vibrante grâce aux modulations tonales et contrastées. Cette production, qui a duré jusqu’en 1990, a été suivie d’une première incursion dans le tridimensionnel avec des œuvres réalisées avec des feuilles de polyéthylène souple, conçues de telle sorte que d’une partie laissée entére partissent des bandes  coupées ad hoc pour former différents volumes. Ces bandes ont dû tomber mordantes dans l’espace, devenant un élément participatif de la tridimensionnalité. Souple et apparemment léger ont été fabriqués dans de petites et grandes tailles. Après une longue pause de réflexion, l’artiste revient à la peinture en 1998 avec les rythmiques "Scansion des surfaces"  – toujours en cours d’étude et de développement – caractérisés par une palette avec brisants effets d’éclairage, dans laquelle les couleurs juxtaposées pour se mettre en valeur – dans une relation ombre-lumière, souvent orchestrée par la domination du noir – deviennent un élément constructif des compositions qui produisent des illusionnistes jeux optiques  ; en ce sens qu’ils peuvent donner l’impression de projeter des éléments ou, au contraire, encastrés, en fonction de l’intensité de la concentration avec laquelle ils se regardent. En parallèle, il a repris la création – désormais réalisée systématiquement – d’œuvres tridimensionnelles utilisant des matières plastiques avec la méthode de travail déjà expérimentée de la feuille unique partiellement découpée en bandes. Avec des inventions plus complexes, il a obtenu des résultats sans précédent de suggestion esthétique combinant dans une même œuvre la double valeur de la bidimensionnalité et de la tridimensionnalité. Ces œuvres, en effet, lorsqu’elles sont « fermées » — on pourrait presque dire « dans un état de repos » — sont plates et sillonnées de coupes ; ce sont ces coupes qui leur permettront une fois « ouvertes » de tendre la main dans l’espace, ou d’y planer léger et volumineux. « Couper, unir, regrouper, tendre, forcer des bandes qui naissent de formes géométriques simples puis se libérer dans des directions spatiales fluctuantes, tel est le sens de ma recherche visant à structurer l’espace avec empathie » : telle est la poétique de cette artiste, expliquée par elle-même. L’adoption plus récente de l’acier, poli ou en version satinée, augmente l’étonnement de la combinaison de volume et de légèreté, puisque ces œuvres semblent encore plus sculptées dans l’air. Diversement appelées Torsions, Écoulements de Surface ou Flottants, leur dérivation naturelle de l’œuvre picturale est évidente, et l’auteur l’explique bien : « comme les bandes picturales se déplaçant dynamiquement en apparente tridimensionnalité dans le domaine de la peinture donnent naissance à des formes complexes, ainsi que la matière plastique et l’acier coupé, également en bandes, que j’utilise comme langage artistique tridimensionnel, il se développe dans des configurations plus complexes et élaborées que les configurations originales ». Les configurations qui doivent être pleinement saisies exigent que l’observateur regarde l’œuvre de plusieurs points de vue, pour détecter à quel point elle change de forme, donnant l’impression d’être plus de sculptures en une seule. Depuis 1968, Nadia Costantini se consacre à l’enseignement dans les instituts d’art de Venise et de Padoue, où elle a suivi des cours de décoration picturale (laques et dorures), de peinture décorative (fresque et autres techniques murales), de dessin de la vie et enfin d’éducation visuelle, se passionnant pour ce dernier sujet et expérimentant avec ses étudiants des œuvres axées sur les illusions d’optique, sur les ambiguïtés de la forme, sur l’apparente tridimensionnalité, jusqu’aux formes cinétiques. Pour clore le portrait de cette artiste, qui vit et possède son atelier dans l’arrière-pays vénitien, il convient de noter son tempérament timide, son travail isolé, qui – il faut le dire – n’a pas bénéficié d’une notoriété méritée de ses œuvres « programmées », réalisées avec une finesse formelle sage et extraordinaire. Parmi les expositions avec ses œuvres pour se souvenir de celles de Venise à la Galleria Bevilacqua La Masa en 1969 et 1981; ceux auxquels il a participé avec les artistes de Verifica 8+1 à Venise-Mestre, Turin, Brescia, Bergame, Florence, Rome, Bologne; et le plus récent au laboratoire de recherche en art contemporain PaRDeS à Mirano-Venise et en 2010 au Musée civique de Santa Caterina à Trévise.

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nadia Costantini - Art programmé

Art Programmé or Art Cinétique est un mouvement artistique international qui a laissé une marque indélébile sur l’art du XXe siècle. Umberto Eco utilise le terme "art programmé" pour présenter l’exposition historique à l’Olivetti de Milan en 1962, organisée par Bruno Munari. Le grand critique Giulio Carlo Argan l’appelle "arte gestaltica", tandis que Lea Vergine établira définitivement son importance en Italie en la décrivant comme la Dernière Avant-garde, dans la rétrospective éponyme au Palais Royal de Milan en 1984. L’art programmé ou cinétique mais aussi l’art optique ont une genèse commune : ils découlent de l’étude innovante, par les artistes, des mécanismes de vision, de phénomènes optiques et lumineux, en ligne avec les progrès scientifiques de l’après-guerre. Partout dans le monde, tant informel que l’abstraction de la peinture ne satisfont plus à la recherche de jeunes artistes. En regardant Marcel Duchamp, le futurisme - ou des expériences plus récentes comme la recherche de Bruno Munari,qui déjà dans les années 1930 a fait des machines inutiles, et a publié le Manifeste du mcchinisme en 1952 - nous voulons être en mesure de créer des œuvres qui impliquent vraiment le spectateur, visuellement mais aussi psychologiquement, et définitivement surmonter le concept de l’art comme la représentation et l’expression: enfin l’art devient l’expérience, et alors il sera même l’environnement. Sans importance secondaire, c’est aussi la poussée de nouveaux artistes à travailler en groupe, de sorte que naissent des agrégations d’artistes qui tentent de surmonter l’individualisme de la figure de l’artiste : en Italie, le premier sera le MAC, Mouvement d’art Concrete (formé autour de Munari lui-même) et plus tard du Groupe T à Milan et du Groupe N à Padoue. L’expérience d’Azimuth, galerie et magazine animée par Piero Manzoni et Enrico Castellani sera importante pour les artistes italiens. Bien qu’elles ne font pas expressément partie du mouvement, les œuvres innovantes, monochromes et antifiguratives des deux artistes, ainsi que celles de leurs voisins comme Agostino Bonalumi et Dadamaino, seront très importantes pour ouvrir la voie à l’expérimentation del’Art Programmé. Le mouvementArt Cinétique ou Programmé est créé grâce à des ferments contemporains du monde entier : Groupe T à Milan, Groupe N à Padoue, GRAV à Paris, Groupe Zéro à Dusseldorf. En Amérique, la tendance s’appelle Optical Art ou Op-Art (par opposition au Pop-art, qui a dominé la scène dans les années 1960). A Zagreb, le mouvement trouve un partisan du critique Marko Mestrovic, qui organise les événements internationaux "NoveTendencije"(Nouvelle Tendance),auxquels participent tous les jeunes artistes italiens. Non seulement Enzo Mari, Manzoni, Bonalumi et Castellani, mais aussi Getulio Alviani seront parmi les Italiens les plus actifs dans "Nouvelle Tendance", qui deviendra également un mouvement international. Les œuvres d’Alviani, à l’aide dela feuille d’aluminium traitée, recherchent des tensions visuelles continues entre la réflexion, l’ambiguïté visuelle, le mouvement apparent, la lumière et les vibrations, en utilisant comme « moteur » l’interaction visuelle du métal avec le regard du spectateur. Marina Apollonio a également rejoint le mouvement en 1965, encouragée par la rencontre avec Alviani, et comme celle-ci utilise des matériaux industriels modernes, pour créer des œuvres structurées qui se transforment en surfaces dynamiques (reliefs métalliques à des séquences chromatiques alternées) ou qui cherchent le mouvement apparent avec des effets géométriques optiques (Circular Dynamics). A Milan, l’Arte Programmata est bien représentée par le groupe T, fondé par Davide Boriani et Gabriele De Vecchi, auquel s’ajoutent Gianni Colombo, Giovanni Anceschi et enfin Grazia Varisco. La première exposition du groupe, "Miriorama 1" , a eu lieu en 1960 à la Pater Gallery (Galerie où Paolo Scheggi et Vanna Nicolotti exposeront également à l’époque, avec leurs toiles tridimensionnelles de plusieurs étages qui se chevauchent). Le groupe T présente des œuvres en mouvement, composées de mécanismes qui les animent, sans aucune intention représentative. Colombo utilise des moteurs pour déplacer ses surfaces; dans ceux de Anceschi est le liquide coloré qui coule dans les tubes qui peuvent être déplacés par les mains du spectateur; tandis que les surfaces magnétiques de Boriani utilisent des aimants et de la poussière de fer pour faire avancer le travail. Grazia Varisco crée des œuvres déplacées par des moteurs mécaniques et une luminescence interne (schémas de lumière variable) et des structures de matériaux industriels mobiles animés par du verre aux multiples facettes qui décompose ses formes. De l’idée de travail en mouvement à travers les effets visuels, nous passons ensuite à des œuvres qui se déplacent réellement d’eux-mêmes, ou parfois - en rupture ouverte avec le passé - le spectateur est invité à les utiliser directement avec leurs propres mains. Des échanges fréquents et des co-opérations dans des expositions sont avec le N Group of Padoue, formé peu de temps après le groupe T, par des jeunes de studios de design architectural et industriel: Alberto Biasi,Ennio Chiggio, Toni Costa, Edoardo Landi, Manfredo Massironi. Ils embrassent eux aussi le nouveau concept d’art et sont particulièrement actifs dans sa vulgarisation (par exemple, en apportant à Padoue l’exposition "La nouvelle conception artistique", par la Galerie Azimuth, en 1960), et accentuent l’importance de l’approche conceptuelle: l’exposition "Personne n’est invité à intervenir" en est un exemple frappant. Du groupe N, la personnalité d’Alberto Biasi,animateur du groupe, émerge qui aborde dans ses œuvres les thèmes du cinétique et de la perception visuelle, parmi les premières œuvres du " Trame ", dans lesquelles il étudie l’interférence du mouvement du regard sur les surfaces superposées, et les "reliefs optiques-dynamiques", structures lamelulaires aux chromaticismes contrastés qui " s’activent " grâce à l’interaction avec le spectateur, qui fait usage actif d’une œuvre optique dans le mouvement qui en résulte. Edoardo Landi cherche plutôt à s’impliquer auprès du spectateur avec la stimulation optique donnée par les formes géométriques et élémentaires, excellents exemples de compositions optiques pour une recherche qui se poursuivra même dans les années 70. La peinture italienne est complétée par des figures qui opèrent également dans d’autres villes, comme Franco Costalonga qui mène une recherche approfondie sur les effets optiques dans l’œuvre, comme dans les objets chromocinétiques dans lesquels il expérimentera avec d’innombrables combinaisons avec l’utilisation de miroirs sphériques. Costalonga a participé à la fondation des groupes "Dialettica Odelle tendenze" and "Verifica 8+1" avec d’autres artistes vénitiens conformément à la tendance internationale de l’art programmé dans les années 1960. Le succès de la Programmata Art est démontré par l’exposition du même nom en 1962 au magasin Olivetti à Milan, puis répété au siège de l’entreprise à New York et à la 4ème Biennale de Saint-Marin (intitulée Au-delà de l'informel) en 1963, et sera définitivement sanctionné par l’incroyable succès de l’exposition The Responsive Eye,organisée en 1965 par le MoMa à New York (180 000 visiteurs), dans laquelle presque tous les exposants italiens ont été exposés, d’Enrico CasteIlani à Getulio Alviani,du groupe T au groupe N, en passant par les plus grands artistes internationaux de Josef Albers à Victor Vasarely. Tags: Art programmé - Art cinétique - Art Optique - Agostino Bonalumi - Getulio Alviani - Manfredo Massironi - Alberto Biasi - Franco Costalonga - Vanna Nicolotti - Cinetism -  Object Cromocitetique - Victor Vasarely - The Responsive Eye - Concrete Art Movement - Grav - Groupe Zéro - Bruno Munari