Francisco Sobrino

Biography

Francisco Sobrino est né à Guadalajara, en Espagne, en 1932. Il a étudié à l’Escuela de Arte y Oficios à Madrid de 1946 à 1949, puis a déménagé en Argentine, où il a fréquenté l’École nationale des beaux-arts de Buenos Aires jusqu’en 1957. En 1959, il s’installe à Paris, s’intéressant à la recherche visuelle et approfondissant les études sur la structure et la dynamique des formes, de la perception et des couleurs. Les œuvres de cette période sont principalement en noir et blanc, caractérisées par des progressions systématiques de formes qui génèrent des effets optiques. En 1960, avec Julio Le Parc, François Morellet et d’autres, il fonde le Groupe de Recherche d’Art Visuel (GRAV) qui, actif à Paris jusqu’en 1968, synthétise le concept de la fonction sociale de l’art, conçu comme un produit non plus individuel mais collectif. Depuis 1961, Sobrino concentre ses recherches sur les constructions tridimensionnelles, utilisant des éléments modulaires en plexiglas transparents, monochromes et polychromes, dont les structures régulières, en raison du chevauchement des pièces, semblent changer selon le point de vue de l’observateur. En 1964, il expose à  Documenta de Kassel, et l’année suivante à l’exposition «The Responsive Eye» au Museum of Modern Art de New York. Pendant cette période, à Sarcelles, en France, a créé une grande structure, en acier inoxydable, qui représente la première de ses nombreuses interventions urbaines et réalise une recherche sur la lumière, en se concentrant sur les questions de réflexion, d’absorption, de transparence et de jeux optiques provoqués par les ombres. Dans la seconde moitié des années 1960, il crée des objets cinétiques qui pourraient être manipulés par le spectateur et, malgré la dissolution du groupe GRAV en 1968, il poursuit ses recherches sur les structures tridimensionnelles. Depuis 1971, il reçoit des comissions des villes de Grenoble, Madrid et Paris pour la création de sculptures à installer dans les lieux publics. En 1976, l’artiste a étudié comment intégrer l’énergie solaire dans son travail, arrivant en 1981 pour créer une sculpture d’auto-énergie. Sobrino,dont les œuvres sont présentes dans d’importantes institutions muséales, telles que la Tate Gallery de Londres et le Museum of Fine Arts de Boston, est décédé à Paris en 2014.

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Francisco Sobrino - Art programmé

Art Programmé or Art Cinétique est un mouvement artistique international qui a laissé une marque indélébile sur l’art du XXe siècle. Umberto Eco utilise le terme "art programmé" pour présenter l’exposition historique à l’Olivetti de Milan en 1962, organisée par Bruno Munari. Le grand critique Giulio Carlo Argan l’appelle "arte gestaltica", tandis que Lea Vergine établira définitivement son importance en Italie en la décrivant comme la Dernière Avant-garde, dans la rétrospective éponyme au Palais Royal de Milan en 1984. L’art programmé ou cinétique mais aussi l’art optique ont une genèse commune : ils découlent de l’étude innovante, par les artistes, des mécanismes de vision, de phénomènes optiques et lumineux, en ligne avec les progrès scientifiques de l’après-guerre. Partout dans le monde, tant informel que l’abstraction de la peinture ne satisfont plus à la recherche de jeunes artistes. En regardant Marcel Duchamp, le futurisme - ou des expériences plus récentes comme la recherche de Bruno Munari,qui déjà dans les années 1930 a fait des machines inutiles, et a publié le Manifeste du mcchinisme en 1952 - nous voulons être en mesure de créer des œuvres qui impliquent vraiment le spectateur, visuellement mais aussi psychologiquement, et définitivement surmonter le concept de l’art comme la représentation et l’expression: enfin l’art devient l’expérience, et alors il sera même l’environnement. Sans importance secondaire, c’est aussi la poussée de nouveaux artistes à travailler en groupe, de sorte que naissent des agrégations d’artistes qui tentent de surmonter l’individualisme de la figure de l’artiste : en Italie, le premier sera le MAC, Mouvement d’art Concrete (formé autour de Munari lui-même) et plus tard du Groupe T à Milan et du Groupe N à Padoue. L’expérience d’Azimuth, galerie et magazine animée par Piero Manzoni et Enrico Castellani sera importante pour les artistes italiens. Bien qu’elles ne font pas expressément partie du mouvement, les œuvres innovantes, monochromes et antifiguratives des deux artistes, ainsi que celles de leurs voisins comme Agostino Bonalumi et Dadamaino, seront très importantes pour ouvrir la voie à l’expérimentation del’Art Programmé. Le mouvementArt Cinétique ou Programmé est créé grâce à des ferments contemporains du monde entier : Groupe T à Milan, Groupe N à Padoue, GRAV à Paris, Groupe Zéro à Dusseldorf. En Amérique, la tendance s’appelle Optical Art ou Op-Art (par opposition au Pop-art, qui a dominé la scène dans les années 1960). A Zagreb, le mouvement trouve un partisan du critique Marko Mestrovic, qui organise les événements internationaux "NoveTendencije"(Nouvelle Tendance),auxquels participent tous les jeunes artistes italiens. Non seulement Enzo Mari, Manzoni, Bonalumi et Castellani, mais aussi Getulio Alviani seront parmi les Italiens les plus actifs dans "Nouvelle Tendance", qui deviendra également un mouvement international. Les œuvres d’Alviani, à l’aide dela feuille d’aluminium traitée, recherchent des tensions visuelles continues entre la réflexion, l’ambiguïté visuelle, le mouvement apparent, la lumière et les vibrations, en utilisant comme « moteur » l’interaction visuelle du métal avec le regard du spectateur. Marina Apollonio a également rejoint le mouvement en 1965, encouragée par la rencontre avec Alviani, et comme celle-ci utilise des matériaux industriels modernes, pour créer des œuvres structurées qui se transforment en surfaces dynamiques (reliefs métalliques à des séquences chromatiques alternées) ou qui cherchent le mouvement apparent avec des effets géométriques optiques (Circular Dynamics). A Milan, l’Arte Programmata est bien représentée par le groupe T, fondé par Davide Boriani et Gabriele De Vecchi, auquel s’ajoutent Gianni Colombo, Giovanni Anceschi et enfin Grazia Varisco. La première exposition du groupe, "Miriorama 1" , a eu lieu en 1960 à la Pater Gallery (Galerie où Paolo Scheggi et Vanna Nicolotti exposeront également à l’époque, avec leurs toiles tridimensionnelles de plusieurs étages qui se chevauchent). Le groupe T présente des œuvres en mouvement, composées de mécanismes qui les animent, sans aucune intention représentative. Colombo utilise des moteurs pour déplacer ses surfaces; dans ceux de Anceschi est le liquide coloré qui coule dans les tubes qui peuvent être déplacés par les mains du spectateur; tandis que les surfaces magnétiques de Boriani utilisent des aimants et de la poussière de fer pour faire avancer le travail. Grazia Varisco crée des œuvres déplacées par des moteurs mécaniques et une luminescence interne (schémas de lumière variable) et des structures de matériaux industriels mobiles animés par du verre aux multiples facettes qui décompose ses formes. De l’idée de travail en mouvement à travers les effets visuels, nous passons ensuite à des œuvres qui se déplacent réellement d’eux-mêmes, ou parfois - en rupture ouverte avec le passé - le spectateur est invité à les utiliser directement avec leurs propres mains. Des échanges fréquents et des co-opérations dans des expositions sont avec le N Group of Padoue, formé peu de temps après le groupe T, par des jeunes de studios de design architectural et industriel: Alberto Biasi,Ennio Chiggio, Toni Costa, Edoardo Landi, Manfredo Massironi. Ils embrassent eux aussi le nouveau concept d’art et sont particulièrement actifs dans sa vulgarisation (par exemple, en apportant à Padoue l’exposition "La nouvelle conception artistique", par la Galerie Azimuth, en 1960), et accentuent l’importance de l’approche conceptuelle: l’exposition "Personne n’est invité à intervenir" en est un exemple frappant. Du groupe N, la personnalité d’Alberto Biasi,animateur du groupe, émerge qui aborde dans ses œuvres les thèmes du cinétique et de la perception visuelle, parmi les premières œuvres du " Trame ", dans lesquelles il étudie l’interférence du mouvement du regard sur les surfaces superposées, et les "reliefs optiques-dynamiques", structures lamelulaires aux chromaticismes contrastés qui " s’activent " grâce à l’interaction avec le spectateur, qui fait usage actif d’une œuvre optique dans le mouvement qui en résulte. Edoardo Landi cherche plutôt à s’impliquer auprès du spectateur avec la stimulation optique donnée par les formes géométriques et élémentaires, excellents exemples de compositions optiques pour une recherche qui se poursuivra même dans les années 70. La peinture italienne est complétée par des figures qui opèrent également dans d’autres villes, comme Franco Costalonga qui mène une recherche approfondie sur les effets optiques dans l’œuvre, comme dans les objets chromocinétiques dans lesquels il expérimentera avec d’innombrables combinaisons avec l’utilisation de miroirs sphériques. Costalonga a participé à la fondation des groupes "Dialettica Odelle tendenze" and "Verifica 8+1" avec d’autres artistes vénitiens conformément à la tendance internationale de l’art programmé dans les années 1960. Le succès de la Programmata Art est démontré par l’exposition du même nom en 1962 au magasin Olivetti à Milan, puis répété au siège de l’entreprise à New York et à la 4ème Biennale de Saint-Marin (intitulée Au-delà de l'informel) en 1963, et sera définitivement sanctionné par l’incroyable succès de l’exposition The Responsive Eye,organisée en 1965 par le MoMa à New York (180 000 visiteurs), dans laquelle presque tous les exposants italiens ont été exposés, d’Enrico CasteIlani à Getulio Alviani,du groupe T au groupe N, en passant par les plus grands artistes internationaux de Josef Albers à Victor Vasarely.

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