Mario Raciti

Biography

Quand, en 1952, je me suis inscrit en droit au lieu de Brera, même si je voulais à tout prix « être peintre », je commençais déjà à suivre cette ligne « transgressive » qui me suivra dans mon vrai peintre professionnel de l’époque. Un peu anarchique, pas adapté aux canons actuels (j’ai utilisé le coup de pinceau "à plat" à temps de peinture analytique!), je n’ai pas suivi la fabrication du moment comme d’autres, je n’ai pas senti l’art comme une forme (je ne ressemblais pas, comme beaucoup le disaient, à Novelli ou Twombly à cause du blanc et crayon); J’ai abordé la pauvreté de l’écriture (dans les années 1970) plus pour la rareté spirituelle que pour le pragmatisme exécutif ("trop poétique pour appartenir à la nouvelle peinture, la vôtre," Fagone m’a dit). J’ai poursuivi d’autres chimères, c’était un voyage qu’il a fait à un pas où, dans une atmosphère visionnaire de tension et de dissipation. J’ai toujours pensé à ma peinture, qui voyage et varie dans la psyché profonde du voyageur, à un roman de l’âge adulte, à la manière d’Henri d’Ofterdingen dont Klaus Wolbert a mentionné pour mon travail la « fleur bleue », qui est un symbole romantique. Donc, si, pour certains, ils sont "frontière", si d’autres, comme Barilli (sur l’Unité), encore me considérer comme un informel "comme un kamikaze japonais encore se battre sur une île sans savoir que la guerre est terminée", (mais combien de temps il a été depuis le vieux informel, presque comme celle de la "peinture"): Je sais seulement que, conscient de l’art de tous les temps, j’invente parmi les décombres d’aujourd’hui "un dernier tableau", et c’est la faute de mon inépuisable rêve pressant, si je suis Kandiskianly besoin par une forme qui est que et vous ne pouvez pas à la lumière de la réglementation actuelle. Et en ce sens, je me sens "moderne" (et non "moderniste"): parce que je vis dramatiquement l’impossibilité de peindre comme une présence ("Il n’était pas un artiste", je cite Gualdoni, "Mario Raciti aimerait une peinture heureuse..."), mais comme une piste visionnaire, comme voilée ailleurs, en attente d’un avenir plus vrai, aujourd’hui douloureusement impossible. "I FIORI DEL PROFONDO" est la dernière évolution de ma peinture. Après les figures fantastiques des années 60, les "absences de présence" des années 70, les "Mythologies" des années 80, dans les années 90 sont nées les Mystères qui évoluent en 2000, dans le "Why" (dramatique "pourquoi" du Christ sur la croix). Actuellement, revivre le mythe de Proserpina, qui, captif à Hadé, aspire à communiquer sur terre avec sa mère Demetra, déesse des messies, donnant naissance à des fleurs sur la planète au printemps, j’ouvre le drame à l’espoir, Espoir, aujourd’hui voilé par la privation d’un contact humain, l’espoir d’une nouvelle vie.

Mario Raciti

Contributions.

« Les fleurs des profondeurs » sont nés de la mythologie que nous résumons en un mot. Les personnages sont Demeter, déesse des messies de la terre et la fertilité, sa fille Perséphone, avait par son frère Zeus, Hadès, seigneur du royaume des morts. Dans la mythologie romaine, les noms sont Cérès, Proserpina, Jupiter et Pluton respectivement. Il se trouve que pendant que Perséphone ramassait des fleurs avec ses amis, elle fut enlevée par Hadès, avec l'accord de Zeus, et amenée sous terre dans le royaume des morts. Lorsque sa mère Demeter a vu que sa fille ne rentrait pas à la maison, elle commencé la chercher pendant neuf jours sur la terre, mais personne n’a pu l’aider car l’enlèvement n’a aidé personne. Pris dans le désespoir, il décréta que les champs s’assèchent et que, par conséquent, la terre ne pouvait pas porter de fruits et de céréales pour le gagne-pain de l’humanité. Dans la pratique, une période de famine a commencé, mais Zeus, sensible aux lamentations de l’humanité et des dieux eux-mêmes, ordonna à Hadès de rendre Perséphone à sa mère. Hadès consentit , mais comme il l’a chargé sur un œil pour le voyage, il a fait Perséphone manger des graines de grenade et de cette façon, comme c’était la coutume parmi les dieux, il l’a attaché à lui-même pour toujours. La joie de Demeter au retour de sa fille était grande, mais il s’est vite rendu compte de la tromperie de sorte que pour réparer en quelque sorte la situation qui n’était certainement pas ce qu’il voulait, il a convenu avec Hades que Perséphone passerait six mois avec Hadès et six mois avec sa mère. Dans les six mois que Perséphone a vécu à Hadès la terre n’a pas porté de fruits donnant lieu à la saison d’automne et d’hiver, tandis que dans les six mois que Perséphone a vécu sur terre cela est devenu productif avec l’apparition de fleurs et de fruits donnant ainsi lieu à la saison de printemps et d’été.   

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Mario Raciti - Informale (Informel)

L'Informal est né après la Seconde Guerre mondiale impliquant des artistes européens et américains. Il peut être considéré comme le point de convergence des expériences artistiques précédentes telles que le Cubisme. Expressionnisme et Surréalisme. Le nom lui-même montre que l'art informel est un art informe et se distingue donc de l'art figuratif et de l'art abstrait. En fait, l'art figuratif est basé sur la représentation de ce qui est vu, tandis que l'art abstrait est essentiellement composé de figures géométriques. L'art informel pour développer une œuvre utilise également des matériaux inhabituels, il suffit de penser aux sacs de jute et en plastique de Burri ou les allumettes  de Aubertin. L'art informel se caractérise également par l'utilisation de formes qui ont une nette tridimensionnalité, généralement les œuvres de Bonalumi et Castellani,qui permettent de jouer à la fois sur leur distribution sur le sol de toile et sur l'alternance des lumières et des ombres en fonction de la lumière incidente. Comme mentionné, l'Informale était un mouvement mondial qui comprenait le allemand naturalisé française Hans Hartung, le suisse Schneider, le groupe Zero; Pollock et De Kooning aux États-Unis, le groupe GUTAI au Japon avec, entre autres, Shozo Shimamoto et Kazuo Shiraga.

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